Ian Bostridge: tenor, historiador y explorador de la identidad de género en la ópera lírica
Antes de consagrarse en la carrera lírica, Ian Bostridge ya brillaba como historiador dentro de la élite académica de Oxford, una de las universidades más prestigiosas del mundo. Su debut tuvo lugar en 1988 en el Teatro alla Scala de Milán, donde se presentó en un programa de Chumbert acompañado por el pianista Julius Drake.
Intelectual sagaz y tenor dotado de una sutileza refinadísima, Bostridge ha publicado recientemente un ensayo de gran interés, en el que examina, entre otros temas, la cuestión de la identidad de género a través de tres obras musicales: Il combattimento di Tancredi e Clorinda (El combate de Tancredi y Clorinda) de Claudio Monteverdi, las piezas vocales de Schumann y Britten, y Chansons Madécasses (Canciones malgaches) de Ravel. En su audiolibro Pensar y Cantar, disponible en exclusiva en Audible, Bostridge explora cómo la música y la interpretación pueden cuestionar y reconfigurar los roles de género, desde hombres cantando partes femeninas hasta mujeres interpretando papeles masculinos, y cómo estas elecciones reflejan tanto la historia cultural como la naturaleza humana. La ópera lírica ha sido siempre un terreno natural para el juego de roles y de identidades de género: castrati, travestismos, mujeres interpretando papeles masculinos y viceversa pueblan sus escenarios. En un mundo donde la identidad de género, como afirma el propio autor, a menudo queda atrapada en la ideología, resulta imprescindible mirar al pasado y a la sabiduría de los antiguos. Basta pensar en el carnaval dentro de la cultura cristiana, donde, desde sus inicios, la confusión de géneros sexuales denotaba una “fluidez” característica de muchas celebraciones y rituales populares. Además, en decenas de óperas, la identidad sexual se invierte: voces femeninas interpretan personajes masculinos y viceversa, en una reconfiguración creativa deseada por compositores e intérpretes.
Por eso, el nuevo ensayo de Ian Bostridge, Pensar y cantar, se torna aún más imprescindible: no solo traza una ruta historiográfica a través de las obras que analiza, sino que nos convoca a meditar sobre preguntas esenciales que nos definen como seres sensibles. Además, el tema de la muerte, abordado al final del ensayo, es tratado por el autor desde una perspectiva nada ‘mortífera’, sino poética, citando a Eliot y recordándonos que muerte y música están estrechamente conectadas. La música, en efecto, se compone tanto de silencios como de sonidos, y la muerte, como fuente del sentido que la vida adquiere de su propia finitud, le resulta afín. Quien desee adentrarse en este interesante ensayo del tenor inglés Ian Bostridge, puede escucharlo en Exclusiva en Audible, con la narración magistral de Rafa Ordorika.
En este nuevo audiolibro recomendado, el autor nos presenta la historia de la música como un entrelazado de relatos en los que los personajes cuestionan los roles de género, haciéndolos flexibles y matizados, mientras las tensiones individuales adquieren un significado político. El enfoque es, sin duda, histórico y de gran amplitud: se trata de un recorrido por repertorios musicales del pasado que se extienden desde Europa hasta el Madagascar de Maurice Ravel, en los que el yo se disgrega y se recompone en las obras de Schumann, Cage y Schubert.
Bostridge nos conduce por una especie de laberinto musical, mostrándonos, no obstante, la salida: un laberinto donde Il combattimento di Tancredi e Clorinda (El combate de Tancredi y Clorinda) de Claudio Monteverdi y Curlew River (Río del cuervo) de Benjamin Britten son solo los primeros ejemplos de obras que sitúan la identidad y sus matices en el centro.
¿Quién es el autor?
Ian Bostridge (Londres, 1964), estudioso de historia de la música y tenor, fue distinguido en 2004 con la Orden del Imperio Británico. Fue Humanitas Professor of Music en Oxford durante el bienio 2014-2015, impartió una serie de masterclasses en la Hochschule für Musik de Múnich y clases online para la Universidad de Chicago entre 2020 y 2021. Colabora regularmente con The Guardian y The Times Literary Supplement.
En su libro anterior, Viaje de invierno de Schubert: Anatomía de una obsesión , el autor, apoyado en su vasta cultura literaria y musical, guiaba al lector a través de los veinticuatro textos de Wilhelm Müller, poeta alemán creador de los ciclos poéticos que inspiraron a Schubert, incluido el célebre Winterreise. Además, revelaba significados ocultos y matices emocionales, sin dejar de ofrecer constantes referencias culturales y filosóficas, desde Goethe y Rousseau hasta Beckett y Žižek.
Ópera lírica y literatura: cómo las novelas inspiraron grandes obras
La historia de la música muestra momentos decisivos que transforman la disciplina para siempre, como la introducción de la escritura musical o el nacimiento del melodrama en Florencia en el siglo XVII. La ópera lírica, en particular, ha transformado la música fusionando canto y representación para contar historias, convirtiéndose durante siglos en vehículo de expresión humana y espacio social de encuentro y vida colectiva.
En las grandes novelas del siglo XIX, los teatros y salas de concierto se convierten a menudo en protagonistas de las historias. En Los Miserables de Victor Hugo, por ejemplo, algunas escenas ambientadas en París muestran a los protagonistas asistiendo a representaciones líricas y melodramáticas.
En la historia de la música no faltan novelas que han inspirado célebres óperas:
Manon Lescaut (Manón Lescaut) de Antoine-François Prévost dio lugar a la ópera homónima de Giacomo Puccini.
La dame aux camélias (La dama de las camelias) de Alexandre Dumas hijo inspiró La Traviata de Giuseppe Verdi.
The Bride of Lammermoor (La novia de Lammermoor) de Walter Scott se transformó en la ópera homónima de Gaetano Donizetti.
Madame Butterfly (Madame Butterfly) de John Luther Long, a través del drama teatral de David Belasco, llevó a la célebre versión de Puccini.
Carmen (Carmen) de Prosper Mérimée dio forma a la ópera homónima de Georges Bizet.
Cavalleria rusticana (Nobleza rústica o Caballerosidad rústica) de Giovanni Verga se convirtió en la ópera homónima de Pietro Mascagni.
Así, la literatura y la ópera lírica conforman siempre un binomio cuya fuerza ha atravesado los siglos. Como señala Ian Bostridge en su reciente ensayo, la música posee la capacidad de transformar en arte lo que John Keats denominaba «capacidad negativa»: la habilidad de convivir con dudas, incertidumbres y misterios sin apresurarse a hallar respuestas, convirtiéndolos en una experiencia estética intensa y significativa.
A esto debería tender nuestra aspiración: no solo a conocer más sobre la música, sino también a adentrarnos en ese aliento que compartimos todos y que se llama vida.
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Breve recorrido por la historia de la ópera
¿Qué es la ópera lírica y de dónde proviene el término?
La ópera lírica es un género teatral-musical en el que la interpretación escénica se une al canto y a la música orquestal. El término “ópera” es italiano, abreviatura de opera lirica, e indica una obra artística compleja; el género nació y se desarrolló en Italia, desde donde adquirió carácter internacional.
¿Cuáles son los elementos fundamentales de una ópera?
Una ópera combina tres elementos principales: el texto (libreto), la música (partitura) y la puesta en escena (dirección, escenografía, vestuario y coreografía). Cantantes y orquesta dan vida a números musicales como arias, duetos, coros y ballets, integrándolos con la interpretación dramática y la acción escénica.
¿Cuándo y cómo nació la ópera?
La ópera surgió entre finales del siglo XVI y principios del XVII en Italia, gracias a la Camerata de’ Bardi en Florencia, que buscaba crear un teatro musical inspirado en la tragedia clásica. Sus raíces ideológicas provienen del teatro antiguo, de los dramas pastorales y de las tradiciones musicales medievales.
¿Cuáles son los principales géneros operísticos?
Los géneros principales son: opera seria (dramática), opera buffa (cómica), melodrama giocoso, opera semiseria, farsa, Singspiel (alemán), opéra-comique (francés), grand opéra (francés) y Musikdrama (alemán, desarrollado por Wagner). Cada género posee características específicas en cuanto a trama, música y recitativo.
¿Quiénes fueron los principales compositores e innovadores en la historia de la ópera?
Entre los pioneros italianos se encuentran Claudio Monteverdi, Alessandro Scarlatti, Rossini, Donizetti y Verdi. En Francia, Lully, Gluck y Gounod fueron figuras clave; en Alemania, Wagner revolucionó la ópera con sus Musikdrama. Por último, Mozart desarrolló tanto la opera seria como el dramma giocoso, uniendo innovación musical y dramatúrgica.
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